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Alarm in der abgelegen, im Urwald liegenden La Guardia-Klinik. Eine Frau ist aus der psychiatrischen Anstalt entflohen, die von Aufseherinnen gehetzt und schließlich angeschossen wird. Mit letzter Kraft kann sie zum Haus von Dr. Arcos (Jess Franco) retten. Bevor er sie jedoch behandeln kann, wird sie von Greta (Dyanne Thorne), der Leiterin der Klinik, und ihren Helfershelfern abtransportiert. Die Schwester der Verletzten, Abigail Philips (Tania Busselier) erfährt, dass die Entflohene verstorben sein soll. Sie bringt Dr. Arcos dazu, sie für den Zeitraum von 30 Tagen in die höchst fragwürdige Anstalt einzuweisen, um dort recherchieren zu können. Anschließend soll er wieder für ihre Entlassung sorgen. Doch Abbie ahnt nicht, dass sie damit einen Freibrief in die Hölle ausgestellt bekommen hat. Nicht nur die sadistische Leiterin, sondern auch die perverse Insassin Juana (Lina Romay) macht ihren Aufenthalt zur gefährlichen und unerträglichen Zerreißprobe …

Wer bereits die schlagenden Argumente einer wild gewordenen Ilsa kennenlernen konnte, dürfte auch auf Jess Francos Greta gespannt sein, denn immerhin konnte man auch für diese Produktion die imposante Dyanne Thorne gewinnen, die sich in Windeseile als einer von Francos Selbstläuferinnen herausstellen wird. Mit Thorne im Gepäck war der wirtschaftliche Erfolg dem Vernehmen nach nur reine Formsache, und es ist sogar spannend dabei zuzusehen, wie unterschiedliche inszenatorische Auffassungen um die längst berüchtigte US-Amerikanerin buhlen. Jess Franco platziert seine Hauptdarstellerin so, dass man nicht an ihren schlagenden Argumenten vorbeikommen kann, und es ist erneut erstaunlich, welch bizarre Aura die gefürchtete Leiterin einer Klinik ohne offensichtliche Expertise aufbauen kann – zumindest im medizinischen Sinn. Innerhalb ihrer Foltermethoden und ausschweifenden Sexualpraktiken, die gerne auch einmal in Kombination durchgeführt werden, erweist sich Thorne abermals als ausgewiesene Expertin, vor der die Insassinnen zittern. Die praktischen Veranschaulichungen statten den Film mit einem teils unappetitlichen Flair aus, welches jedoch zum Hinschauen bewegt, da man bei so viel Brutalität, Sadismus und Unmenschlichkeit einfach nicht wegsehen kann. Wie sich derartige Zustände etablieren konnten, wird nicht geklärt, zumal weder die Regie noch das Publikum ernsthaft daran interessiert sein dürften. Die Geschichte kann somit ihren demonstrativen Charakter gewinnbringend ausspielen, was für zufriedene Interessenten sorgt, immerhin weiß man im Vorfeld, mit wem man es hier vor und hinter der Kamera zu tun bekommt. Es kann nicht oft genug betont werden, wie erstaunlich die Tatsache ist, dass sich Jess Franco stets an Populärthemen und aufflammende Trends heran heften konnte, ohne dabei allerdings zu viel Abklatsch zu betreiben, immerhin weist jedes seiner Regiewerke eine unverkennbare, individuelle Architektur und Färbung auf, was man sowohl positiv, als in bestimmten Fällen auch negativ bewerten kann. Der klare oder simple Aufbau der Story entfaltet sich als klassischer Alptraum zwischen Leidenschaft, Sadismus und Folter, was bei der Palette der Angebote und vor allem visuellen Veranschaulichungen für Kopfnicken beim Zielpublikum sorgen wird.

Im Rahmen der luxuriösen Grundvoraussetzung einer übermächtigen Titelfigur kommt es zu wirklich guten Leistungen der anderen Schauspielerinnen im Gefängnis der gefürchteten Greta, die eigens von Dyanne Thorne im vollen und altbekannten Umfang mit Wonne ausbuchstabiert wird. Dabei ist schon eine Routine zu sehen, die eine deutliche Sprache darüber spricht, was mit ihr hier noch zu erwarten ist. Unter Jess Franco ist es natürlich klar, dass die sadistische Ader zugunsten einer perfiden, lesbisch-sadomasistischen Tendenz weichen muss. In diesem Zusammenhang wird Lina Romay beinahe wollüstig etabliert, und muss viele Szenen zum Besten geben, die andere Kolleginnen aufgrund ihrer widerlichen Anflüge vielleicht niemals in Betracht gezogen hätten. Unterm Strich trägt sie jedoch dazu bei, dass die Konstruktion schockieren kann, da sie für das Unerwartete und Perverse steht. Tania Busselier bietet dem Zuschauer quasi die Sympathieträgerin, also gute Seite in diesem von Höllenqualen durchzogenen Haus an, wird den Zuschauer allerdings auf harte Proben stellen. Ansonsten verfügt die Produktion über gute alte Bekannte, die das gerne auch in vulgärem Licht schimmernde Geschehen tatkräftig unterstützen, genau wie es der gepflegte Gossenton innerhalb einer blendenden deutschen Synchronisation tut, die von der begnadeten Ursula Heyer als Greta angeführt wird. Folgende Aussage von Jess Franco himself wirkt auch hier exemplarisch und wird in teils aufwühlenden, abstoßenden aber auch erotischen Bildern festgehalten: »Ich bin ein sexuell Besessener, ein enorm Besessener. Ich bin ein Voyeur und ich will davon nicht geheilt werden – daher mein gigantisches Vergnügen, Sexszenen zu erfinden, sie zu dirigieren, sie zu sehen und sie obendrein zu filmen …«. All dies wirkt wie das Elixier vieler seiner Geschichten. "Greta – Haus ohne Männer" ist und bleibt schlussendlich ein guter Franco, der das Potenzial seiner Geschichte und der nicht alltäglichen Hauptdarstellerin effizient nutzt. Versehen mit einem Finale, das wirklich hervorragend gelungen ist, da es dem Publikum vollkommen überraschend und urplötzlich zum Fraß vorgeworfen wird, bleibt der Verlauf in deutlicher Erinnerung, da er seinen zu erwartenden Frondienst am Kunden mit Leichtigkeit tun kann.

Gitta (Dunja Movar) hat sich in den Kopf gesetzt, Schauspielerin zu werden, bis sie sich gegen den Willen ihrer Eltern an einer Münchner Schauspielschule bewirbt und auch angenommen wird. Ihr Vater sperrt sich gegen jegliche finanzielle Unterstützung, sodass sie selbst für ihren Lebensunterhalt und eine Wohnung aufkommen muss. Als sie die Wohnung nicht mehr bezahlen kann, zieht sie bei ihrer Mitschülerin Grete (Inken Deter) ein, der Tochter eines Lebensmittelhändlers (Gustav Knuth), der sie in jeder Hinsicht bei der Ausbildung unterstützt, da er seinen eigenen Traum verwirklichen will. Als Gitta sich in ihren Mitschüler Caspar (Dieter Klein) verliebt, der schon bald wegen eines Engagements in eine andere Stadt ziehen muss, werden ihre Leistungen an der Schule merklich schlechter …

»Wenn Sie glauben, dass Sie auf der Bühne nur eine Bestätigung Ihrer persönlichen Selbstsucht finden werden, oder eine Befriedigung Ihrer Eitelkeit, oder eine Herauslösung aus den Nöten der Zeit in eine Welt des Traumes und der Verantwortungslosigkeit, so lassen Sie sich nur gleich gesagt sein, dass die Wirklichkeit der Bühne Sie auf das Härteste enttäuschen wird. Sie verpflichten sich einem Beruf, dessen oberstes Gebot das Opfer ist! Versuchen Sie nicht den Beifall der Meisten zu erringen, sondern streben Sie nach dem Urteil der Besten.« Als der Intendant einer Schauspielschule mit diesen mahnenden, aber völlig aufrichtig gemeinten Worten vor seine Klasse tritt, ist tatsächlich noch keinem von den jungen Leuten bewusst, was auf sie zukommen wird. Die meisten von ihnen haben eine Art Ruf gehört, der sich nicht weiter unterdrücken ließ. Bei einigen wird es gar schmerzhaft gewesen sein, bis sie ihre Energie, das Engagement und die Leidenschaft in den provisorischen Übungsbühnen der Schule entladen konnten, doch der Weg, so wird immer wieder gemahnt, ist noch weit, unberechenbar und steinig. Auch, dass es nur die wenigsten der jungen Leute etabliert in den schaffen werden, liege in der gnadenlosen Natur der Sache. Schnell zeichnen sich unterschiedliche Wege ab, die von Disziplin, Gefühlen, Desinteresse oder der Suche nach dem schnellen Sprungbrett geprägt sein werden. Regisseur Kurt Hoffmann bietet in "Lampenfieber" einen überraschend dynamischen, aber vielmehr teildokumentarischen Stil an, der die Fundamente des Schauspielunterrichts näherbringt: Proben, Repetition, Improvisation Linguistik, Theorie, Ballett, Florett, und was alles noch dazu gehört. Die Lehrer agieren streng, wollen sie dem Publikum am Ende doch nur das Beste präsentieren. Die Produktion schafft es mit Leichtigkeit, einen realen Transfer herzustellen, um nicht als eine von bereits vielen dagewesenen Geschichten in der Versenkung zu verschwinden. So gibt es eine vielleicht beispiellose Anzahl etablierter Stars, die sich hier geistreicher Weise selbst spielen: Hannes Messemer, Eva Maria Meineke, Margarete Haagen, Hans Clarin oder während eines Fernsehspiels Robert Graf und Ina Peters.

Der hier behandelte Personenkult ist dabei keine Erfindung aus der Traumfabrik, sondern ebenso eine wichtige Basis des Theaters, Films, und Fernsehens, welcher sich jedoch nicht alleine auf die angehenden Schauspieler beschränkt. Der Film ist lehrreich, da es so viel Praktisches hinter den Kulissen zu sehen gibt. Die Geschichte ist unterhaltsam, da sie sich vielen Nebenschauplätzen widmet, die das Leben selbst schreibt und nicht eine vorgefertigte Dramaturgie. Die Produktion ist außerdem überraschend feinfühlig und in ausgewählten Phasen tiefsinnig, da menschliche und schwierige Themen angesprochen werden, die mehr oder weniger zu denken geben. Junge Leute sollen geerdet werden, doch man hat kein Stück Ton in den Händen, das sich beliebig formen lässt. Die meisten von ihnen haben ihre eigenen Köpfe. Hier stechen insbesondere Dunja Movar, Michael Hinz, Elke Sommer, Gitty Daruga, Dieter Klein oder Claus Wilcke hervor, da sie unterschiedlichste Entwürfe eines Theaterschülers anbieten. Movar, die bereits drei Jahre später an den Folgen eines Suizidversuchs verstarb und damit vielleicht sogar sinnbildhaft für die mitunter nicht vorhandene Schwerelosigkeit des Berufs steht, ist in ihrem zweiten und letzten Kinofilm zu sehen. Ihre Gitta Crusius stammt aus wohlbehüteten Verhältnissen, ihr Vater ist selbstverständlich gegen diese Art des Werdegangs und versagt ihr jegliche Unterstützung. Um an der Schule angenommen zu werden, fälscht sie die Einverständniserklärung der Eltern, da sie ihren Traum verwirklichen will. Angesagt ist harte Arbeit und neben dieser noch härtere, um etwas Geld für den Lebensunterhalt zu verdienen. Dabei spielt Dunja Movar mit einer erfrischenden Leichtigkeit auf, um die Schwere ihrer Rolle sehr intensiv herauszuarbeiten. Elke Sommer hingegen ist für einen anderen Weg vorgesehen, deren Evelyne schnell eine Offerte einer gewissen Eros Film erhält und einen anderen Karriereweg einschlägt. Claus Wilcke spielt sich als Zyniker der Truppe, um nicht zu sagen, Mephisto auf, Michael Hinz und Dieter Klein bieten unterschiedliche Entwürfe schwacher und resoluter Gemüter an, sodass jeglicher Karriereweg offenbleibt.

Regisseur Kurt Hoffmann bietet insgesamt Entwürfe an und verweist auf die vielen kleinen, aber feinen Unterschiede der Personen, sodass alleine beim Thema der Charakterzeichnungen für breite Abwechslung und sogar Spannung gesorgt ist. Hochwertige Leistungen zeigen wie immer Bernhard Wicki und Antje Weisgerber als Dozenten und Bühnenschauspieler, die ihren Aspiranten etwas mehr mitzugeben versuchen, als nur blanke Theorie. Man nennt es Erfahrung. Überhaupt ist diese Produktion breit und hochinteressant besetzt, unter anderem mit Hans Schweikart, Gustav Knuth, Gitty Daruga, Corinna Genest, Anne Kersten oder Eva Vaitl. "Lampenfieber" nimmt seinen Titel immer wieder wörtlich und zeigt nicht nur die berechtigten Ängste der angehenden Bühnendarsteller, sondern auch die der bereits etablierten. Die Liste der Interpreten, die sich selbst spielen, ist hier beispiellos lang und es ist gut möglich, dass man einige von ihnen zwischen all den Turbulenzen und Kulissen erst überhaupt nicht ausmacht. Der dokumentarische Stil öffnet dem Publikum ein interessantes Fenster, durch das man Selbstzweifel, Tränen, Resignation und einfach nur harte Arbeit sehen kann, folglich sehr wenig von Glanz und Gloria zeigt, was man als Konsument normalerweise verzehrfertig serviert bekommt. Diese hervorragend konstruierte Produktion ist eigenartigerweise kein großer Begriff im Dunstkreis hochwertiger deutscher Produktionen mit Brettern, die die Welt bedeuten. Außerdem über doppeltem Boden verfügen, kann aber nach so vielen Jahren immer noch überzeugen, da die Themen im Grunde genommen die Gleichen geblieben sein dürften. So bleibt ein überaus gründlich aufgerollter und dennoch dynamischer Film, der das gemeine Publikum vielleicht weniger belehren will, sondern zu Demut aufrufen möchte. Versehen mit einer Vielzahl bekannter Schauspieler in tragenden und Kleinstrollen, kann das teils unbarmherzige Schicksal innerhalb der Münchner Schauspielschule seinen Lauf nehmen und aufweisen, dass in diesem Business ganz eigene, wohl unumstößliche Gesetze hat, die jeder Neue gerne umkrempeln würde, sich aber schon bald über den Geschmack von Granit wundern dürfte. Sehenswert.

Auf einem Empfang auf Schloss Blackmoor gibt Lucius Clark (Rudolf Fernau) bekannt, dass er in den Adelsstand erhoben werden soll. Noch während der Feierlichkeiten wird ein Mord von einer dunklen Gestalt verübt, die wenig später auch Clark bedroht. Inspektor Mitchell (Harry Riebauer) von Scotland Yard nimmt die Ermittlungen auf, stößt dabei jedoch kaum auf brauchbare Aussagen und hohe Widerstände. Die Spur führt schließlich in ein berüchtigtes Nachtlokal, dessen Besitzer Tavish (Hans Nielsen) noch eine Rechnung mit Clark offen hat. Es geht um wertvolle Rohdiamanten, die von Blackmoor nach London gebracht werden sollen, doch jeder Kurier fällt dem Würger zum Opfer …

Produzent Artur Brauner als ewige Konkurrenz zu bezeichnen trifft sicherlich nicht den Kern der Sache, immerhin konnte er sich innerhalb dieses vermeintlichen Modus zu Höchstleistungen motivieren, was sich spätestens bei diesem zweiten Film unter der Marke Bryan Edgar Wallace zeigt. Brauner einigte sich mit dem englischen Kriminalschriftsteller und Drehbuchautor auf die Verwendung einiger seiner Geschichten, wobei man bei manchen durch und durch erdachten Storys nur noch den Markennamen benutzte. Die Reihe konnte sich als ernsthafte Konkurrenz zur von der Rialto Film vermarkteten Edgar Wallace-Reihe etablieren und brachte über die Jahre richtige Klassiker hervor, zu denen definitiv Harald Reinls "Der Würger von Schloss Blackmoor" gehört. Will man einen Grusel-Krimi der 60er-Jahre nennen, der über eine exzellente Atmosphäre verfügt, dann muss diese Produktion in den Ring geworfen werden, deren düstere Note sich von Anfang bis Ende entfalten kann. Eine maskierte Gestalt rennt durch die weitläufigen Parks von Schloss Blackmoor, begeht den ersten, offenbar wahllosen Mord an einem unschuldigen Mann, der sich trotz stattlicher Konstitution nicht gegen die Mordlust des Angreifers wehren kann. Anschließend wird Lucuis Clark höchstpersönlich aufgesucht, der offenbar eine Verbindung zu dem maskierten Mörder zu haben scheint. Schnell stellt sich heraus, dass es um entwendete Blutdiamanten geht, die wie ein Fluch auf dem weiteren Schicksal des neuen Schlossherrn lasten, der sich dort übrigens nur eingemietet hat, immerhin soll der lange im Dienst der Krone stehende Clark schon bald in den Adelsstand erhoben werden. Ob es noch dazu kommt, wird Harald Reinl in besonders anschaulicher Manier klären, der sich auf die Bildgewalt des Verlaufs und die Spiellaunen der Interpreten verlässt. Im Angebot stehen die unterschiedlichsten Charaktere, Repräsentanten beider Seiten zwischen Gut und Böse und der unscheinbaren Mitte.

Sehr interessant ist hier, dass Harry Riebauer in der männlichen Hauptrolle zu sehen ist, der sich in dieser Beziehung und für weitere filme allerdings nicht durchsetzen konnte. Als fester Bestandteil in der deutschen Krimi-Landschaft sollte er fortan nur noch (wichtige) Nebenrollen einnehmen. Als Inspektor Mitchell macht der mit stoischer Ruhe ausgestattete Mime eine solide Figur und steht großen Vorbildern eigentlich in nichts nach. Dabei scheint er sich völlig im Klaren darüber zu sein, dass er sich in tödliche Gefahren begibt und beweist eine gute Spürnase bei seinen unprätentiösen Ermittlungen. Die überaus attraktive Karin Dor scheint in seiner Nähe zunächst etwas abweisend beziehungsweise kratzbürstig zu sein, immerhin entstehen Interessenkonflikte zwischen Scotland Yard und Presse, aber im Grunde genommen zieht man doch an einem Strang. Spätestens als sich Claridge sich erstmals an seine Schultern anlehnen kann, ist es um sie geschehen, zumindest sieht es die damalige Krimi-Charta eindeutig so vor. Einerseits wirkt Claridge Dorsett selbstbewusst im Beruf und unerschrocken auf Abwegen und in zweifelhaften Etablissements, andererseits erscheint sie aber auch wie der Prototyp des zu beschützenden Opfers zu sein - eine Hybrid-Funktion, mit der sich im Kriminalfilm sehr viel anfangen lässt. Karin Dors Kaliber deutet jedenfalls der Vorspann an, den sie führt die Titel-Credits noch vor ihrem männlichen Kollegen an, was für die damalige Zeit nicht ausgeschlossen aber ungewöhnlich war. Betrachtet man die weiteren Darsteller, so bleiben keine Wünsche offen. Besonders hervorzuheben ist sicherlich Rudolf Fernau in einer seiner prägnantesten Rollen im Krimi der 60er-Jahre und es ist als Glück zu bezeichnen, dass es bei Artur Brauner immer wieder zu Engagements kam. Der aus München gebürtige Interpret stattet seine Szenen und die Basis dieser Kriminalgeschichte mit einer auffälligen Kälte und im Grunde genommen Skrupellosigkeit aus, die indirekt noch mehrere Opfer fordern wird.

Aber das hochqualifizierte Schauspiel ruft selbst bei den kriminellsten Vertretern dieser Geschichte Sympathien hervor. Die Regie lässt sich bei der Täterfindung ungern in die Karten schauen, sodass es ein unübersichtliches Angebot an Verdächtigen gibt, wer sich hinter der Maske des Würgers verbergen könnten. Ob Hans Nielsen, Richard Häussler, Dieter Eppler, Hans Reiser oder sogar Walter Giller - dem einen traut man mehr zu, de anderen weniger. Gillers Interaktion mit dem jungen Stephan Schwartz ersparen ausgewiesene und berüchtigte Clowns der einschlägigen Krimi-Landschaft, können somit weitgehend überzeugen, was auch für die zweite signifikante Dame dieses Geschehens gilt: Ingmar Zeisberg, die auch eine beachtenswerte Karriere im Genre hinlegen sollte. Als verruchte und gleichzeitig verführerische Bardame kann sie für Aufsehen sorgen und den Rätselfaktor befeuern. Wie erwähnt lebt der Film von einer außergewöhnlichen atmosphärischen Dichte und der bemerkenswert-experimentellen Musik von Oskar Sala, der es schafft, dass der Zuschauer das Moor atmen und Diamanten funkeln hören kann. Harald Reinl spart auch nicht an Action und Tempo, außerdem kommt es zu ungewöhnlichen Veranschaulichungen im Rahmen von Brutalität und Sadismus, aber Rache schmeckt dem Vernehmen nach eben kalt am besten. Des Weiteren ist die exzellente Dialogarbeit hervorzuheben, die sich stets auf gehobenem Niveau bewegt. Ein dunkles Gemäuer, verfallene Katakomben, ein Nachtlokal, in dem mehrere 100 Jahre Zuchthaus zusammenkommen, der weitläufige bis unüberschaubare Park und öffentliche Plätze, die keinerlei Sicherheit vor den unerbittlichen Mörderhänden bieten, stellen das Kaleidoskop des Schreckens dar, das diesen Film so besonders und zeitlos macht. "Der Würger von Schloss Blackmoor" legt die Messlatte nach einem relativ konventionellen und handelsüblichen Vorgängerfilm für die weitere Konkurrenz ziemlich hoch an, und zählt sicherlich zu den absoluten Highlights der Reihe.

Das FBI sieht sich mit einer neuen Form des organisierten Verbrechens konfrontiert. Es handelt sich um bezahlte Auftragsmorde, die sich mittlerweile durch die ganzen USA ziehen. Spätestens nach dem Mord an Ann Gordon (Karin Schröder) und ihrer kleinen Tochter Jane (Manuela Schmitz) ist klar, dass man es mit einer äußerst skrupellosen Organisation zu tun hat. Der Hauptverdächtige ist mit Mrs. Gordons eigenem Mann Francis (Giuliano Raffaelli) schnell gefunden, doch er hat ein wasserdichtes Alibi. Jerry Cotton (George Nader) wird auf den Fall angesetzt und er versucht zu beweisen, dass es sich hierbei um einen bestellten Mord handelte. Zusammen mit dem Privatdetektiv Sam Parker (Herbert Stass) ermittelt er in einem weiteren Mordfall, der ähnlich erscheint, denn der Buchhalter des Geschäftsmannes Carp (Kurt Jaggberg) kam auf dieselbe mysteriöse Art und Weise um, doch es gibt erneut ein Alibi. Was noch niemand weiß: Carps eigene Frau Linda (Grit Boettcher) steht als nächste auf der Abschussliste. Nach gefährlichen Ermittlungen und weiteren Morden führt die Spur schließlich zu dem bekannten Nervenarzt Dr. Saunders (Carl Lange), bei dem sich Abgründe auftun …

Unter der Leitung des Krimi-Spezialisten Harald Reinl entstand mit "Der Tod im roten Jaguar" einer der wohl ausgefeiltesten Cotton-Verfilmungen, und auch sein Nachfolger "Todesschüsse am Broadway" lässt sich problemlos in dieser Kategorie wiederfinden. Überhaupt ist anzumerken, dass die Reihe mit jedem Film interessanter wurde. Fall N°7 ist vielleicht der unterhaltsamste Teil im Rahmen der langjährigen Ermittlungen geworden, außerdem bekommt man hier eine unglaublich gute Besetzung quasi eiskalt serviert. Man schaut sich den Vorspann an, und die prominenten Namen mögen einfach kein Ende nehmen. In diesem Zusammenhang hat sich die fortlaufende Serie tatsächlich stark verbessert, auch Spannung, leichter Thrill und Action wurden glücklicherweise wieder größer geschrieben. Es ist zu bemerken, dass Harald Reinl die Produktion absolut im Griff hatte und das FBI-Märchen somit durchgehend gut anzupacken wusste. Gleich zu Beginn wird man mit einem ordentlichen Tempo konfrontiert, das charakteristisch für die Geschichte sein wird. Besonders gut kommt zudem der recht überraschend wirkende Whodunit-Effekt zum Tragen. Um das Publikum letztlich für mögliche Fortsetzungen zu interessieren, setzte man auf eine härtere Gangart, was im Rahmen bestimmter Morde in dieser Story zu wahrhaftigen Schockmomenten führt, da Protagonisten, Sympathieträger und vollkommen Unbeteiligte über die Klinge springen müssen. Aber Jerry Cotton hat es eben mit einem sehr schmutzigen Geschäft zu tun. Inhaltlich dieses Mal mit Auftragsmorden angereichert, präsentiert sich die Geschichte ziemlich abwechslungsreich, was nicht zuletzt auf mehrere, ziemlich eigenartige Charaktere zurückzuführen ist. Auch dass bei vielen bekannten Darstellern, die sich hier wirklich die Klinke in die Hand geben, die Auftrittsdauer sehr kurz bemessen ist, sorgt für Abwechslung und ein straffes Tempo. Der Aufbau des Films ist bis ins Detail gut durchdacht und klar, wenn man auch über gewisse Wahrscheinlichkeiten erst gar nicht zu diskutieren braucht.

Wie gut diesem Film der italienische Einschlag generell tut, kann insbesondere aus der Besetzungsliste herausgefiltert werden, denn die Erweiterungen sind mehr als erfreulich. Mit George Nader als Jerry Cotton ist eine schon längst absolut sichere Bank zu sehen, und er wirkt gewohnt souverän. Dass er der Titelfigur seit Beginn der Serie seinen unverwechselbaren Stempel aufdrücken konnte, schlägt auch hier voll durch, denn die Mischung aus Agilität, Routine und Schlagfertigkeit weiß erneut zu gefallen. Leider kann das von seinem Filmkollegen Heinz Weiss nicht prinzipiell behauptet werden, der sich immer mehr als Stichwortgeber und Nebenfigur herauskristallisiert. Insgesamt ist die Besetzung aber mehr als ausgewogen und für die Begriffe eines deutschen Krimis richtig spektakulär. Besonders auf der Verbrecher-Seite werden hervorragende Akzente gesetzt, die von Giuliano Raffaelli, Carl Lange oder Kurt Jaggberg blendend dargestellt werden, was auf der Seite der Opfer ebenso der Fall ist. Grit Boettcher als bedrohte Ehefrau war bis dato beispielsweise selten so schwungvoll und überzeugend zu sehen, auch die kleineren Darbietungen wie von Ilse Steppat, Karin Schröder oder Britt Lindberg bleiben im Gedächtnis. Was in der Frühphase der persönlichen Cotton-Eindrücke immer als großer Nachteil angesehen wurde, erfuhr mit den Jahren einen kompletten Sinneswandel: die Tatsache der eigentümlichen Einsätze bei den weiblichen Hauptrollen, die heute kleine Offenbarungen darstellen. Keine ganz großen, oder sogar recht kleine Namen, sollten erst gar nicht in die Versuchung kommen, die Aufmerksamkeit von Jerry Cotton himself abzulenken. Beim genauen Hinsehen tun sie dies aber trotzdem. Es ist als großes Glück zu bezeichnen, dass man hier Daniela Surina in einer ihrer größeren Rollen sowie seltenen Auftritte zu Gesicht bekommt, und sie stellt neben Heidy Bohlen das bemerkenswerteste Cotton-Girl dar. Die Liste der hier beteiligten Stars ist so üppig, dass nicht auf jeden gesondert einzugehen ist, aber Gert Haucke als Auftragskiller darf definitiv nicht unterschlagen werden. Er wirkt beängstigend, nicht etwa, weil er klassisch-brutal dargestellt wird, sondern weil er einfach nur einen riesengroßen Knall hat, den er frappant echt und überzeugend darzustellen weiß.

Die beste Besetzung in der langjährigen Cotton-Reihe stellt somit auch beinahe schon die halbe Miete dar, außerdem liegt es auf der Hand, dass Regisseur Harald Reinl die hochwertigsten Beiträge abliefern konnte, weil er den Stoff am besten zu interpretieren und mit Stringenz auszustatten wusste. In den Bereichen Action, Spannungsaufbau und Dynamik stellt er unterm Strich das Gütesiegel der Reihe dar und erfreulicherweise kam hier auch der Rätselfaktor nicht zu kurz. "Der Tod im roten Jaguar" transportiert eine unverwechselbare Atmosphäre und präsentiert gelungene Aufnahmen, auch die Charakterdarstellungen erscheinen hier noch eine Spur mehr ausgefeilt zu sein, als es andernorts der Fall war, da vielleicht ohnehin nie der große Fokus auf einer besonders dichten Darstellung gelegen hat. Die Musik von Peter Thomas erschien in den Anfängen vielleicht noch sensationell zu sein, doch nach der Unterlegung in diversen anderen Teilen hat sie sich aufgrund der Uniformität leider etwas überholt. Die große Stärke dieses siebten Teils der Reihe liegt definitiv in ihrem glasklaren Aufbau. Das Geschehen rund um die Organisation, die Auftragsmorde anbietet, um ihren Klienten wasserdichte Alibis zu verschaffen, ist durchgehend überzeugend und interessant genug dargestellt, um fesseln zu können. Erstaunlich ist die geschilderte Rücksichtslosigkeit beziehungsweise die auftauchende Brutalität, da beispielsweise auch vor der Liquidierung eines kleinen Mädchens nicht zurückgeschreckt wird. Nicht minder interessant erscheint es dabei, wie der Film im Verlauf um Erklärungen bemüht ist, wie es möglich sein könne, Menschen zu Mördern werden zu lassen. Jene Erläuterungen, für die kein geringerer Experte als Carl Lange als Nervenarzt Dr. Saunders zur Verfügung steht, sind selbstverständlich schön krude und schließlich unwahrscheinlich, aber es entsteht ein nicht zu verachtender Spaß-Faktor, der sich wie ein roter Jaguar durch den kompletten Film zieht. Harald Reinl macht es hier, und sogar noch einen Film später vor, wie man sie bearbeiten muss, damit eine Serie nicht nur interessant und abwechslungsreich bleibt, sondern auch mit neuen Impulsen angereichert wird. Schwer unterhaltsam!

Nordafrika gegen Ende des Jahres 1942. Deutsche Truppen sind unter Befehl von Generalfeldmarschall Rommel auf dem Vormarsch in Richtung Ägypten. Den US-Amerikanern Sergeant Sullivan (Lee Van Cleef) und Captain Valli (Jack Kelly) gelingt es mit ihren Leuten, das strategisch wichtige Lager in El Alamein in ihre Gewalt zu bringen. Um unerkannt zu bleiben, müssen sie einige Tage lang in italienischen Uniformen auf Verstärkung warten. Das Lager entwickelt sich zum Pulverfass, dessen Lunte bereits gezündet ist, zumal die deutschen Soldaten rund um Oberleutnant Heitzel (Joachim Fuchsberger) bereits eingetroffen sind. Wird sich die wacklige Tarnung aufrechterhalten lassen?

Die Karriere des italienischen Regisseurs Armando Crispino erstreckt sich leider nur über einen kurzen Zeitraum von gerade einmal weniger als zehn Jahren, in dem lediglich acht Spielfilme unter seiner Leitung entstanden, von denen heute nur noch wenige in Erinnerung geblieben sind. Crispino war unter anderem auch als Drehbuchautor tätig und diesbezüglich werden ihm häufig Unstimmigkeiten bezüglich der Kohärenz bescheinigt, was ebenso für manche Filme gilt, bei denen er als Regisseur tätig war. Vielleicht tut man dem Italiener Unrecht, wenn vorschnell mangelnde Routine oder Unerfahrenheit unterstellt wird, denn manche seiner Ergebnisse können sich durchaus sehen lassen, da diese bei gerne angewandter, teils offensiver Härte und Brutalität auch Doppelbödigkeit in Genres anbieten, in denen solche Voraussetzungen weniger gefragt waren. Als eines der prominentesten Beispiele ist in diesem Zusammenhang sicherlich der in der Bundesrepublik unter dem Banner Bryan Edgar Wallace vermarktete Giallo "Das Geheimnis des gelben Grabes" zu nennen, der mehr offeriert, als ihm attestiert wird. Dies gilt bestimmt auch für seinen Kriegsfilm "Himmelfahrtskommando El Alamein", der erneut mit deutscher Beteiligung und internationalem Star-Aufgebot entstanden ist. Crispino geht auch in dieser 1968 entstandenen Produktion mit bewährter Handschrift vor, denn er verliert ungern Zeit, was der dramaturgischen Schärfe vielleicht vielerorts ein Dorn im Auge sein will. Im Gegensatz zu einer Originalfassung von 112 Minuten, kam der Film in der Bundesrepublik in einer um 24 Minuten gekürzten Fassung in die Kinos, was im Endeffekt für das Tempo, die Brisanz und fehlenden Atempausen sorgen wird, die die Geschichte nötig hat. Kriegsschauplätze werden von ausgehebelten Gesetzen beherrscht und es scheint, als existierten in der ägyptischen, von Schauplätzen auf Sardinien simulierten Wüste überhaupt keine Werte mehr, die die Zivilisation mühsam aufgebaut hatte.

Zu erkennen sind nur noch feindliche Lager und aus Strategie geschmiedete Allianzen, die bei jeder Gelegenheit dazu gemacht sein könnten, in Stücke zu zerfallen. Das Publikum darf sich unter Armando Crispinos drastischer, aber gleichzeitig hochwertiger Bebilderung auf schwere Gefechte und brutale Phasen gefasst machen, in denen er sich nicht scheut, Schockmomente zu konstruieren, um sie anschließend genüsslich auszureizen. Im Grunde genommen rückt die recht simple Geschichte zugunsten von Spektakel und Massakern schnell in den Hintergrund, und beinahe ist einem so, als bleibe nichts als Kugel- und Bombenhagel, Tod, Gemetzel und Verderben in der Erinnerung zurück. So einfach macht es sich dieser möglicherweise unterschätzte Beitrag allerdings nicht, denn lose Skizzen einzelner Schicksale deuten persönliche Niederlagen an. Interessant bei dieser brisanten Produktion bleibt schließlich, dass die Sinnlosigkeit derartiger Manöver und des Krieges im Allgemeinen unverschlüsselt an den Pranger gestellt werden - natürlich unter strikter Berücksichtigung des Publikumsinteresses, das bei solchen Veranstaltungen wohl nicht primär auf tiefschürfende Dramatik und entwaffnende Dialoge aus sein dürfte. Angesichts der gewählten Marschrichtung ist der Regie ein effektiver Mittelweg zwischen strapaziöser Unterhaltung und ein paar subtilen Elementen gelungen, wobei Letzteres beinahe im Rahmen von Kugelfeuer, Explosionen und Todesschreien untergeht. Der wohl interessanteste Kniff besteht allerdings in der Tatsache, dass sich nach dem bitteren Ende zeigen wird, dass es sich um kein im Vorfeld auf bestimmte Nationen beziehungsweise Personen zugeschnittenes, glorifizierendes Helden-Epos handelt, sondern sich nachhaltig um eine überaus destruktive Balance bemüht, die unterm Strich am meisten beeindruckt oder schockiert. Effektive Schützenhilfe hierbei leistet das internationale Star-Aufgebot, das mit denkwürdigen Leistungen aufrüstet.

Allen voran steht zweifellos Western-Ikone Lee Van Cleef als getrieben und bedenklich unemotional wirkender Sergeant Sullivan, der vor seiner blutigen Vergangenheit gezeichnet ist und flüchtet, diese aber stets zu Überholmanövern ansetzt, da sie ihn physisch und psychisch zu Grunde gerichtet hat. Zur Schau gestellt als Haupt-Aggressor der Geschichte, wirkt es geradezu so, dass er das Fass jederzeit zum Überlaufen bringen könnte, was für eine unangenehme Spannung sorgt. Als Antagonist in den eigenen Reihen ist sein US-amerikanischer Kollege Jack Kelly zu sehen, der vergleichsweise zu weich und bedacht wirkt, um neben Sullivan bestehen zu können, obwohl dieser nicht das Privileg des Oberbefehls in der abgesandten Truppe genießt. Für Zündstoff ist also genügend gesorgt und wenn es schon intern zu eskalieren droht, stellt sich die berechtigte Frage wie es letztlich aussehen mag, wenn der tatsächliche Feind direkt vor den Soldaten steht. Diese Hochspannung definiert sich über den Verlauf gesehen als Leitmotiv und ist ausschließlich dazu gemacht, um in den entscheidenden Phasen hochzukochen. Gerne gesehene Darsteller repräsentieren die jeweiligen Truppen verschiedener Herkunftsländer und hier ist vor allem die ausgiebige Ansammlung deutscher Top-Interpreten zu nennen, die der Anforderung nach ein- bis zweidimensional denken und agieren. Es ist erstaunlich, wie frappierend echt die Darstellungen von Götz George oder Helmut Schmid in Sachen Ideologie oder Aggressivität wirken, wenngleich auch hier deutliche Gegenentwürfe von Joachim Fuchsberger oder Heinz Reincke angeboten werden, die sich im Endeffekt gegen die Eintönigkeit stellen. Gleiches kann durchaus von ihren italienischen Kollegen gesagt werden, die ebenfalls angemessene Zeichnungen durch Interpreten wie Pier Paolo Capponi oder Marino Masè erfahren. So wurde im schauspielerischen Bereich nichts dem Zufall überlassen, der am Kriegsschauplatz naturgemäß von Männern geformt wird.

In diesem Sinn ist zwischen all der nach Tod riechenden Luft und dem mit Blut getränkten Sand nur eine einzige Frauenrolle zu finden, die ausschließlich zur Verlustierung der Soldaten dient. Die italienische Interpretin Marilù Tolo als Adriana bringt es lediglich auf ein paar unscheinbare und wenig geschmackvoll arrangierte Szenen, in denen ausschließlich ihr Dasein als Objekt dokumentiert wird, doch unter Crispino wird es auch diesbezüglich keine Kehrtwende oder gar ein versöhnliches Ende geben, da so viele harte Schocks wie nur möglich gesetzt werden sollen. Die Simulation der Kriegsschauplätze ist gelungen und aufwändig inszeniert, genau wie die Simulation dieses vollkommen trostlosen und gottverlassen wirkenden Fleckchens Erde. Zahlreiche pyrotechnische Akzente und durchschlagende Bilder der Qual wollen das Verderben hautnah schildern und in diesem Zusammenhang ist nicht zu leugnen, dass die Regie eine nicht nur beunruhigende, sondern phasenweise sehr erschreckende Atmosphäre erschaffen konnte, dass ihre eigentliche Intention nicht schuldig bleibt. "Himmelfahrtskommando El Alamein" möchte anscheinend genau der deprimierende Film über die schlimmste, künstlich am Leben gehaltene und niemals enden wollende Geißel der Menschheit sein, die er ist. Ohne Lichtblicke und Hoffnung fortfahrend, ist daher so gut wie vorbestimmt, dass sich der Verlauf nach und nach selbst exekutiert und sich kaum an Sympathieträgern - geschweige denn Überlebenden - interessiert zeigt. Unterm Strich bleibt vielleicht nur einer von zahllosen Kriegsfilmen, die möglicherweise mehr unterhalten als aufklären möchten, der aber vergleichsweise auch ebenso wie sein Regisseur unterschätzt wird. "Himmelfahrtskommando El Alamein" lässt sich bei Interesse an der Thematik sehr gut anschauen, außerdem kommen Anhänger der insbesondere deutschen Darsteller in den Genuss ungewöhnlicher Interpretationen, die nicht alle Tage abgerufen werden mussten. Ein Film, der trotz seiner reißerischen Seele das Potenzial besitzt, nachdenklich zu stimmen.